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Archives de catégorie Cinéma

Crawl : l’attaque des alligators tueurs

4 out of 5 stars (4 / 5)

 

Alors qu’un ouragan va s’abattre sur la Floride, Hayley va chercher son père. Mais elle se retrouve piégée dans sa maison de celui-ci. Voilà Hayley cernée à la fois par la tempête et par des alligators voraces.

 

Crawl : un survival de qualité

Le scénario de Crawl est assez simple mais c’est notamment cette simplicité qui va lui donner son efficacité. Crawl ne se disperse à aucun moment. Une fois qu’Hayley est arrivée sur place, on entre quasiment dans une tragédie classique par son unité de temps, d’action et de lieu. Autre élément d’efficacité, il n’y a que deux acteurs au générique : Kaya Scodelario et Barry Pepper. D’où un focus de l’attention sur eux.

Barry Pepper et Kaya Scodelario) dans Crawl, réalisé par Alexandre Aja (2019)

Dave Keller (Barry Pepper) et Haley Keller (Kaya Scodelario) dans Crawl, réalisé par Alexandre Aja (2019)

Crawl s’inscrit bien dans le sous-genre « survivaliste » du film d’horreur. Ici, l’objet est de savoir comment le héros (l’héroïne) va s’en sortir. Une inconnue subsiste sur le sort de la deuxième personne. Conséquence : tous les seconds rôles (absolument pas crédités au générique) sont, eux, destinés à mourir ; parfaits substituts au duo principal.

C’est dans la partie proprement « survivaliste » de Crawl que se niche la tension. Une tension qu’Alexandre Aja, spécialiste du genre, sait parfaitement entretenir. Ainsi les cadrages serrés sur l’héroïne laissant les deux côtés hors champ, ou les variations clair/obscur, sont autant d’idées visuelles efficaces. Quand Hayley allume sa lampe, qu’est-ce que l’on voit soudain à côté d’elle ? La tension, génératrice de la peur, se niche d’abord dans les efforts des personnages pour se mettre à l’abri.

Kaya Scodelario

Haley Keller (Kaya Scodelario) dans Crawl

Mais le vice du scénario est de priver progressivement ses héros de l’abri salvateur. Les frères Rasmussen, auteurs du scénario, et spécialisés dans les films d’horreur/survival (ils ont notamment écrit le dernier film de John Carpenter : The Ward) trouvent en Aja le réalisateur dont ils avaient besoin pour donner corps au suspense de Crawl.

 

Un excellent dosage entre peur et gore

Chaque scène donne lieu à une préparation angoissante suivie d’une brève mais violente poussée d’adrénaline quand l’alligator attaque ou passe à proximité. La sortie d’Hayley du conduit d’évacuation en est un bel exemple. Alexandre Aja se plaît à faire briller les yeux de l’alligator par ses jeux de lumière. Aussi le monstre de Crawl est comme nimbé d’une aura maléfique, doté d’une conscience et surtout d’un appétit féroce.

Un alligator

Un alligator dans Crawl

Cet appétit ne pouvant être satisfait sur les héros, il trouve son exutoire avec les seconds rôles dans la partie « gore » du film. De fait, les diverses morts, qui mélangent pillards et policiers dans une même ronde macabre, ne lésinent pas sur le sang. Ces attaques équilibrent la partie « survivaliste » comme un déversoir à la peur. Mourir dévoré est atroce mais c’est moins pénible (pour le spectateur s’entend) que de ne pas savoir si une mâchoire ne va pas surgir de la surface de l’onde qu’effleure votre lampe torche. Crawl a ainsi tous les atours d’une série B réussie (marque de fabrique du producteur Sam Raimi, à l’oeuvre depuis les Evil Dead)

 

Crawl : Les Dents de la mer version alligator ?

Kaya Scodelario est connue pour sa participation au Labyrinthe et au 5e opus de Pirates des Caraïbes. Elle a eu la bonne idée de se roder sur une production plus modeste au rôle principal. En effet, de tous les plans, la jeune actrice est parfaitement convaincante, entre angoisse et combativité. Des éléments annoncés dès le départ par le réalisateur. Lequel s’amuse en ouverture à filmer des jolies jeunes femmes comme dans Piranha. Une scène qui n’est pourtant absolument pas gratuite comme on le comprendra par la suite. La scène finale, qui la met une dernière fois en valeur, est une idée brillante. En s’arrêtant net, Crawl s’épargne une fin qui aurait pu sombrer dans la guimauve.

Kaya Scodelario et Barry Pepper dans Crawl

Haley Keller (Kaya Scodelario) et Dave Keller (Barry Pepper) dans Crawl

Alexandre Aja ne voulait pas renouer avec le côté « comédie d’horreur » de son film Piranha 3D (2010). En effet, il avait comme ambition – ainsi que le proclame une petite figurine sur le tableau de bord de la voiture d’Hayley (en tout début de film) – de réaliser « Les Dents de la mer du film de crocodile ». Difficile de dire s’il a réussi, faute d’avoir vu d’autres films du genre, mais c’est tout de même une pleine réussite.

 

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Les blockbusters depuis 2015 : la course à la démesure

Les blockbusters depuis 2015 : la course à la démesure


Aux origines du blockbuster

Comment peut-on définir les blockbusters ?

Internet les définit comme des films ayant eu un grand succès populaire et ayant bénéficié d’un gros budget … et c’est tout. On ne risque pas d’aller très loin tant la définition est floue. Dans l’inconscient collectif, le blockbuster est tout autre chose.

Avengers Endgame : le point culminant des blockbusters ?

Avengers Endgame, réalisé par Anthony & Joe Russo (2019) : le blockbuster moderne par excellence

 

Et si nous revenions aux origines du mot ?

« Blockbuster » signifie littéralement « qui fait exploser le quartier ». Soit de prime abord, des films qui envoient un bon paquet d’action à l’écran. En effet, les blockbusters suivent des lignes similaires. Par exemple : beaucoup d’effets spéciaux, un marketing de masse, une déstructuration des scènes d’action pour créer une sorte de chaos, un casting important, un pitch simple.

Il est très souvent admis que le premier blockbuster de l’histoire serait Les dents de la mer de Steven Spielberg en 1975.

 

Les Dents de la mer, réalisé par Steven Spielberg (1975), considéré comme le père des blockbusters

Les Dents de la mer, réalisé par Steven Spielberg (1975), considéré comme le père des blockbusters

 

Depuis, le genre se serait défini avec les films ayant eu le plus d’impact sur les spectateurs. Predator, Terminator 1 et 2, Mad Max 2, l’ensemble de la saga Star Wars, la trilogie du Seigneur des Anneaux, Matrix, etc. sont des blockbusters influents.

Le blockbuster a évolué depuis 1975. Aussi, voyons quelques films marquants non seulement pour le genre, mais aussi pour la voie dans laquelle semble il semble se diriger.

 

Mad Max Fury Road et Kingsman : la rupture

L’année 2015 me semble être charnière avec les sorties de Mad Max : Fury Road et de Kingsman. Car ces deux films s’inscrivent dans une démarche de déstructuration des codes des blockbusters.

Le premier, Fury Road a pris le pari d’un rythme effréné, sans pause, pour le spectateur, couplé à des effets spéciaux hyper impressionnants (car en prise de vue réelle pour la majorité).

 

: un film qui casse les codes des blockbusters

Mad Max : Fury Road, de George Miller (2015) : un blockbuster qui casse les codes du genre

Ainsi, on a pu trouver durant le tournage des gars sur des perches de 3m de haut dans un cortège de motos roulant à plusieurs dizaines de km/h. Mais aussi des conducteurs de camion foncer délibérément dans des murs de pierre et autres joyeusetés. Ces choix ont complètement bousculé un genre qui s’engluait de plus en plus dans des effets spéciaux numériques fades. L’abondance de FX numériques ne fait plus à terme s’émerveiller les spectateurs. Plus grave, elle installe l’hégémonie d’un style de narration beaucoup trop répétitif : « mise en place -> action -> retombée de la pression -> feu d’artifice on fait tout péter -> conclusion ». Un style devenu cliché aujourd’hui.

Kingsman quant à lui y est allé avec plus de tact car proposant un film parodiant les codes du blockbuster pour montrer les limites de ce dernier.

 

Kingsman de Matthew Vaughn (2015) : un film qui parodie les codes des blockbusters

Kingsman de Matthew Vaughn (2015) : un blockbuster qui parodie ses propres codes

Une réalisation magnifique proposant des choix artistiques remarquables est venu légitimer le propos. Ce plan-séquence dans la chapelle est toujours un délice. Toutefois, Kingsman 2 n’a rien ajouté à la gloire du premier.

 

Le Marvel Cinematic Universe : entre cinéma et série

Cependant, l’évolution la plus significative est à chercher du côté des blockbusters de ces dernières années. En particulier, ceux qui raflent absolument tout : les films de super-héros. Ces derniers mériteraient des pages et des pages de réflexion à eux seuls.

Que l’on aime ou non le Marvel Cinematic Universe, celui-ci et plus particulièrement les deux derniers Avengers, vont marquer l’industrie cinématographique pour plusieurs raisons. D’abord, vu les sommes astronomiques brassées par cet univers, tous les studios s’arrachent pour créer leur propres univers étendus (avec plus ou moins de succès).  Par conséquent, nous obtenons des produits entre le cinématographique et le sériel. Ensuite, ce système permet de proposer des films à quasiment 50 personnages répartis sur plusieurs arcs narratifs. Par ailleurs, il y a la donnée visuelle. En effet, ces films ont poussé les effets spéciaux numériques à leur apogée où la limite n’existe plus. Se dire « Tiens si on disait que lui, il fait tomber une planète sur la planète, ça serait rigolo non ? » semble tout à fait logique maintenant. Quand bien même la scène ne fait qu’un quart d’heure.

 

Ces films vont marquer le genre du blockbuster. Bien que tous différent dans leur fond comme dans la forme, ils ont un dénominateur commun : la démesure. Tous ces blockbusters sont pensés pour la démesure : plein de personnages, d’arcs narratifs, d’effets spéciaux réels ou numériques toujours plus hallucinants, des rythmes démentiels, etc. etc.

Pour souligner ce point, analysons deux blockbusters récents sous ce prisme de la démesure : X-Men : Dark Phoenix et Godzilla II : Roi des monstres.

 

X-Men Dark Phoenix : un blockbuster trop ambitieux ?

X-Men : Dark Phoenix censé clore la saga est-il une réussite ? La réponse est assez compliquée.

X-Men : Dark Phoenix, de Simon Kinberg (2019) : un blockbuster entre deux eaux

X-Men : Dark Phoenix, de Simon Kinberg (2019) : un blockbuster entre deux eaux

 

Puisqu’on se retrouve face à une créature malformée, coincée entre une envie de démesure et celle d’installer un réel propos de fond, une réflexion psychologique autour de ces héros. En effet, ce sont des thèmes récurrents et importants de X-Men. Logan en est la quintessence tant il concilie son étiquette de blockbuster et un fond intelligent. Essayant de danser sur ces deux pieds en même temps, Dark Phoenix se perd. Certes, elle propose de bonnes idées sur les deux plans. Hélas, elle n’en reste qu’au stade d’esquisse. La forme et le fond ne parviennent pas à s’allier correctement. Alors, on en ressort avec un sentiment particulier. On se dit que c’était sympa sans plus alors que ça aurait pu être grandiose.

 

Godzilla II : l’avenir du blockbuster ?

Godzilla II a clairement fait son choix : l’histoire, les personnages, le propos, tout ça on dégage ! On veut juste des énormes bestiaux se foutre sur la tronche et c’est franchement une réussite.

 

Godzilla 2, roi des monstres, de Michael Dougherty (2019) : l'option blockbuster bourrin efficace

Godzilla 2, roi des monstres, de Michael Dougherty (2019) : l’option bourrin efficace

Un excellent film doit allier un fond et une forme de qualité. Mais je pense que ce n’est pas indispensable pour faire un film juste bon. Cette 36e itération de Godzilla au cinéma se débarrasse du fond pour effectuer de vrais choix artistiques réfléchis pour la forme autour de ses créatures. D’où des musiques épiques, des lieux propices à les rendre impressionnants, avec une image de l’humain ridicule en comparaison, des plans longs pour montrer l’impact des coups, etc. Cette démesure grandiose est un pur régal pour les yeux et son âme d’enfant (parce que, bon, voir un T-rex géant taper sur un dragon à trois têtes, c’était un peu un rêve de gosse).

Bref, une réussite qui ne présage que du bon pour l’univers étendu autour de Godzilla que sera le MonsterVerse.

 

Au final, l’heure des blockbusters est à la démesure, quitte à faire le choix délibéré de laisser tomber le fond. Mais peut-être peut-on espérer voir un jour un film alliant ce sens de la démesure avec des personnages et un message profond ?

….

Ah attendez on me souffle dans l’oreillette que ça existe déjà et que ça s’appelle The Dark Knight. Bon bah je jetterai un œil à l’occasion.

 

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Concours : gagnez 2 places pour le film « Conséquences »

Le blog Marla’s Movies est fier de vous proposer de gagner 2 places pour le film Conséquences, de Darko Štante.

Synopsis : A 17 ans, Andrej est placé dans un centre de détention pour jeunes. Il y intègre un groupe de garçons délinquants avec lesquels il se perd dans la drogue et la violence. Mais bientôt les désirs d’Andrej le rattrapent. Démasqué, il va devoir faire un choix pour rester fidèle à lui-même…

 

POUR GAGNER, IL SUFFIT DE RÉPONDRE À LA QUESTION SUIVANTE :


Quelle est la nationalité du réalisateur Darko Štante ?

Envoyez votre réponse à l’adresse suivante avant le samedi 29 juin 2019, 20 heures :

 

Merci d’indiquer vos nom, prénom et adresse postale dans votre message, et de mettre en objet du mail « Concours Conséquences. » Les gagnants seront tirés au sort parmi les participants ayant bien répondu.

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Retrouvez d’autres concours sur http:/ledemondujeu.com et jeu-concours.biz/
 
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Sibyl, avec Virginie Efira : parle avec elle

4 out of 5 stars (4 / 5)

Je suis allé voir Sibyl sans conviction vendredi soir. La bande-annonce m’avait vendu un téléfilm de France 2, histoire gentillette d’une maman psy et sa sœur vaguement peste. Virginie Efira ne m’encourageait guère, même si je l’avais déjà vue dans deux ou trois grands rôles, notamment Dead Man Talking en 2014 et Le Grand bain l’an dernier.


Les psys et moi

Que voulez-vous, je vais voir les histoires de psy comme d’autres vont voir les films de zombies. Je suis une inconditionnelle. Je ne loupe jamais une occasion de me foutre de leur gueule, un peu comme les Français avec les Belges.
La première scène de Sibyl m’a agacée. Cette ancienne écrivain devenue psy, veut redevenir écrivain. Elle échange, lors de la scène d’ouverture, avec une caricature de snob censée être son éditeur. Le dialogue, ou plutôt la tirade, est sans intérêt. Mais ce qui suit vaut vraiment le coup. Pour reprendre la plume, Sibyl doit en quelque sorte abandonner ses patients. Il est une femme cependant qui l’appelle dans un triste état et qu’elle accepte de recevoir en séance. Cette jeune femme, c’est Margot, incarnée somptueusement par Adèle Exarchopoulos.

Adèle Exarchopoulos sur le divan dans Sibyl, de Justine Triet (2019)

Adèle Exarchopoulos sur le divan dans Sibyl, de Justine Triet (2019)

Adèle Exarchopoulos joue à merveille les écorchées vives. Je ne vous raconterai rien de la suite de la trame pour ne pas tout gâcher, mais disons que la réalisatrice Justine Triet établit une gémellité entre les deux personnages. La patiente, fascinante, va devenir l’air de rien l’héroïne du roman de Sibyl. En écoutant sa patiente, c’est un peu la psy qui va se soigner, car au fond, c’est elle qui va mal.

Une bande annonce trompeuse

La bande-annonce vendait une mauvaise comédie, et de rares personnes ont quitté la salle ou se sont plaintes en fin de projection d’un film « déprimant ». Il s’agit en réalité d’un film fin. Justine Triet n’hésite pas à plonger dans le méta textuel et le méta filmique. Passé et présent s’entremêlent avec délicatesse, le destin des deux femmes aussi. La mise en abîme (le film dans le film) est également très réussie.
Je n’ai pas vu Victoria, précédent film de Justne Triet avec Virginie Efira, sans doute mal orientée déjà par la bande-annonce. Cependant, aujourd’hui j’ai envie de donner une chance à ce film, car Sibyl m’a beaucoup impressionnée. Au lieu d’un feel good movie habituel où l’on vous dit que ça va mal mais que ça ira mieux ensuite, Justine Triet choisit une fin douce-amère, même si elle tâtonne un peu quant à donner une résolution à son héroïne.

Une héroïne très bien écrite

Il est rare de montrer un.e psychanalyste avec des défauts, voire des vices (l’alcool dans le cas de Sibyl). Des psys qui commettent des erreurs impardonnables du point de vue déontologique tout en restant sympathiques aux yeux du spectateur.
Ce traitement original rappelle l’excellente série En Analyse, où l’on suit un psychanalyste et ses patients, avec comme fil rouge la vie personnelle du médecin, ses ennuis de couple et ses doutes de praticien.

Il faut aller voir Sibyl, pour la finesse de ses dialogues et situations où beaucoup se reconnaîtront. Il faut donner une chance à ce film avec le bon état d’esprit : il s’agit bien d’un drame français, film d’auteur et compétiteur à Cannes.
À l’interprétation impeccable des acteurs (même si je ne trouve toujours pas de charme à Gaspard Ulliel) se disputent une réflexion sur l’art de l’écoute, l’écriture et la réalisation au cinéma.
A ne pas manquer.

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